Las mujeres de ‘Duna: Parte dos’ son los personajes más interesantes

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Antes que nada, aclaremos que “Duna” no es una historia feminista. Tanto solo hablando de sus últimas adaptaciones cinematográficas, se centran en una sociedad patriarcal. Destaca la figura de un mesías hombre que nació en el privilegio y cuyo destino podría ser liberar a los habitantes de un planeta que no es su lugar de origen. Nos presentan que la idea de un mesías varón era el objetivo a largo plazo de una antigua hermandad femenina, porque solo él sería capaz de superar las habilidades extraordinarias de ellas.

Sin embargo, las mujeres de “Duna: Parte dos” son los personajes más interesantes de la película y muestran una representación que todavía no es tan común en el cine hollywoodense. Zendaya, Florence Pugh y Rebecca Ferguson destacan por la multidimensionalidad que imprimen a sus personajes y cargan con un importante peso de la narrativa.

A continuación hablaremos sobre la representación femenina en la más reciente película de la saga cinematográfica “Duna”, que se basa en una serie literaria escrita por Frank Herbert.

Foto: Warner

De qué se trata ‘Duna: Parte dos’

En esta película, encontramos a “Paul Atreides” (Timothée Chalamet) iniciando su nueva vida en el planeta “Arrakis”, luego de sobrevivir a la masacre que casi acabó con su clan. Su reto más próximo es ganarse el respeto de la comunidad “freemen” que lo acogió con su madre, aunque también está lidiando con las expectativas de una antigua profecía que parece señalarlo como “el elegido” que llevará a “Arrakis” hacia la libertad.

Por fin podemos ver cómo se desarrolla la relación entre “Paul” y “Chani” (Zendaya), una guerrera “freemen” con fuertes convicciones que desde hace tiempo ha aparecido en los sueños y visiones del protagonista.

También conocemos a otros personajes clave, como la “princesa Irulan Corrino” (Florence Pugh) y “Feyd-Rautha” (Austin Butler), el sucesor de la casa “Harkonnen” que podría convertirse en un némesis para “Paul”.

Como su predecesora sugirió, “Duna: Parte dos” es una cinta que mezcla impresionantes secuencias de acción, un poderoso lenguaje visual y complejos discernimientos sobre la fe, el poder y el libre albedrío.

Las mujeres de ‘Duna: Parte dos’ son los personajes más interesantes

Foto: Warner

El control de las ‘Bene Gesserit’

En el universo de “Duna”, las “Bene Gesserit” son una enigmática organización conformada por mujeres, quienes influyen en las esferas del poder infiltrándose como asesoras, consejeras, concubinas o espías.

Ellas son quienes tejen el entramado político, esparcen creencias religiosas en los pueblos, detonan sucesos y fingen lealtades aunque en realidad solamente sirven a un objetivo propio.

Se trata de mujeres con entrenamiento en diversas disciplinas y desarrollan asombrosas capacidades como “la voz”, una habilidad telequinética para controlar la voluntad de otros.

A esta hermandad pertenece “Lady Jessica” (madre de “Paul Atreides”), la “princesa Irulan” (hija del “Emperador”) y “Lady Margot” (interpretada por Léa Seydoux).

Foto: Warner

Cuando pensamos que las “Bene Gesserit” se encuentran entre los personajes más poderosos de la saga y que tienen habilidades extraordinarias, es fácil engañarnos al relacionarlas con el empoderamiento femenino. Sin embargo, no es así.

Lo interesante de las “Bene Gesserit” en el contexto de la película no radica en empoderamiento o en representar al feminismo. Después de todo, se trata de una organización que cree en la eugenesia para crear un varón que superará todas sus habilidades y servirá a la orden como un mesías. En lo que hemos visto de la saga cinematográfica, su principal objetivo ha sido éste.

Además, las “Bene Gesserit” representan algo opuesto al feminismo porque no tienen la libertad de decidir. Lo que hacen (desde convertirse en concubina de alguien hasta concebir un hijo) son órdenes de sus semejantes.

Lo que en realidad hace tan interesantes a estos personajes es su complejidad. Son mujeres tratadas como personajes multidimensionales, y eso es algo destacable en el cine hollywoodense. En ellas no hay blanco y negro, sino se mueven en una gama de grises que te hace dudar de sus intenciones y lealtades. Ni son “buenas”, ni son villanas.

No se rigen por sus emociones, no viven en torno al amor romántico y, en casi todas sus apariciones en pantalla, ellas tienen el control de la situación.

Foto: Warner

El propósito de ‘Chani’

En “Duna: Parte Dos” podemos ver la historia de amor entre “Paul” y “Chani”, pero el personaje de ella es mucho más que esa relación romántica.

El propósito de “Chani” no está ligado a “Paul” ni depende de él pues, para empezar, ella no está esperando que la salven. Ella ya tiene una misión de vida, sueños e ideales antes de que él aparezca, y trabaja en ellos a la par que el personaje de Timothée Chalamet se inserta en su comunidad.

Otro aspecto interesante del personaje de Zendaya es que, en una cultura donde la religión está profundamente arraigada, ella elige no creer. Ella forma parte del grupo que quiere regirse por la razón y, en su opinión, creer en profecías es una forma de control (sus objetivos son opuestos a los que tienen las “Bene Gesserit”, pero es el mismo principio).

“Chani” podrá enamorarse de “Paul”, pero eso no cambia sus creencias ni ideales; jamás la ves dudar siquiera.

Además, “Paul” no tiene nada que enseñarle a “Chani”. En todo caso, quien ha aprendido a sobrevivir en el inhóspito desierto desde niña, es ella.

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La figura materna de ‘Lady Jessica’

Desde la primera parte de “Duna”, el personaje de “Jessica” ha estado entre los más interesantes, y en esta película eso no cambia. Para empezar, ella es una “Bene Gesserit” que ha roto las reglas en más de una ocasión para servir a sus propias creencias e intereses.

Con “Lady Jessica”, sería fácil ver un personaje alineado con las figuras maternas más tradicionales del cine: alguien que inspira ternura, que da consejos de vida en momentos clave y que solo puede ser muy buena o muy mala. Ella no es así. El personaje de Rebecca Ferguson te hace dudar de sus intenciones en cada momento que la tienes en pantalla; no te deja claro si sus acciones son a favor de las “Bene Gesserit”, de su hijo o de ella misma.

La interpretación de Ferguson te muestra que “Lady Jessica” es capaz de usar la empatía para motivar a las personas; no tiene que usar “la voz” para manipular. Sin embargo, su propia motivación es mucho más compleja que lo que podríamos asumir, el poder para sí misma.

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Lecciones que ‘Barbie’ nos dejó y no debemos olvidar

Se reúnen las actrices de ‘El diablo viste a la moda’, 18 años después

Durante la última edición de los premios SAG Awards, Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt compartieron escenario. Y ninguna desaprovechó la oportunidad para hacer referencia a una película que marcó un antes y un después para su carrera. Así es como se reunieron las actrices de “El diablo viste a la moda”.

Después de desfilar en la alfombra roja de la premiación, las actrices tuvieron un reencuentro como reparto de la icónica película del 2006. Las tres subieron al escenario e hicieron honor a sus personajes con juegos de palabras mientras anunciaban al ganador de Mejor Actor.

Así se reunieron las actrices de ‘El diablo viste a la moda’

The Devil Wears Prada Reunion at The 30th Annual SAG Awards

Anne Hathaway llegó a la alfombra roja con un vestido azul cerúleo. Así es, de esta manera representaba la icónica escena en donde su personaje (“Andy Sachs”) llega a su primer día de trabajo con un suéter azul cerúleo. Cuando se le preguntó a Hathaway si el color del vestido y la película “El diablo viste a la moda” estaban relacionados, ella contestó que sí.

Hathaway asistió ataviada con un vestido largo Versace con los hombros descubiertos, así como una abertura en el abdomen y en la pierna. Lo combinó con detalles en plateado: con un collar de Bvlgari en forma de serpiente, bolso de mano y sandalias.

Asimismo, Meryl Streep asistió a la premiación con un vestido Prada que decía a gritos “El diablo viste a la moda” (la traducción del título original de la cinta es “El diablo viste de Prada”). Además de la clara referencia con la marca del atuendo, también decidió dejar fuera a sus incondicionales lentes, para hacer más clara la referencia a su personaje, “Miranda Priestly”.

Finalmente, Emily Blunt se presentó con un vestido Louis Vuitton rojo con escote tipo griego y joyería plateada de Tiffany & Co.

Al parecer el cast tenía planeado hacer homenaje a la cinta de 2006, porque además de llegar con vestidos que hacían una clara referencia, las tres eligieron accesorios plateados, los cuales lucían en conjunto cuando presentaron el premio a Mejor Actor.

¿Meryl Streep o ‘Miranda Priestly’?

Para la presentación de Mejor actor, Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt subieron al escenario de los SAG Awards y protagonizaron un pequeño juego de palabras que hacía alusión a sus personajes en “El diablo viste a la moda”.

Al principio únicamente subió al escenario Streep, quien chocó peligrosamente con el micrófono. Posteriormente explicó que había olvidado sus lentes e inmediatamente llegaron Hathaway y Blunt desde dos extremos diferentes del escenario para rescatarla y darle sus lentes, así como el sobre con el nombre del ganador.

Meryl lanzó al aire la pregunta: “¿dónde el personaje acaba y el actor empieza?” Blunt se tomó el momento para contestar, comparando a la actriz de 74 años con su personaje “Miranda Priestly”. Ella se defendió explicando que no hay absolutamente ningún parecido entre ella y el personaje de “El diablo viste a la moda”.

De inmediato Anne se acercó al micrófono y contestó con una frase de la cinta: “no, no es una pregunta”. A ella se unió Blunt con una línea emblemática de la cinta “Esta paz glacial, sabes cómo me molesta”.

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La reacción viral de Emma Stone al perder el SAG Award 

Emma Stone

Continúa la temporada de premios en Hollywood, donde nombres como el de Emma Stone, Margot Robbie o Lily Gladstone han estado resonando frecuentemente, ya sea por sus triunfos o numerosas nominaciones. Este fin de semana la actriz Emma Stone se hizo viral en redes sociales debido a su reacción al haber perdido ante Lily Gladstone en la categoría de Mejor Actriz en los SAG Awards 2024.

Nosotras te contamos más detalles acerca de lo que sucedió en la entrega de premios con la protagonista de “Poor Things”. 

Así reaccionó Emma Stone tras perder el premio como Mejor Actriz

Foto: EFE. Caroline Brehman

En la industria del entretenimiento, es muy común caer en la narrativa de poner a las mujeres en contra: ya sea por méritos en sus trabajos, por la apariencia física, por la moda o por cualquier circunstancia. Sin embargo, cada vez son más las figuras dispuestas a demostrar que la “rivalidad femenina” es algo que el sistema patriarcal inventó.

El pasado sábado se llevaron a cabo los premios Screen Actors Guild Awards 2024 en Los Ángeles, California. Dentro de la categoría de Mejor Actriz se encontraban nominadas Annette Bening, Carey Mulligan, Margot Robbie, Emma Stone y Lily Gladstone, quien se llevó el galardón a casa.

Ante su derrota, Emma Stone reaccionó de manera muy entusiasta cuando se dijo el nombre de su compañera. Comenzó a aplaudir con mucha emoción y animar a Lily al instante como forma de apoyo al haber ganado este premio. En su expresión no hubo nada de molestia ni frustración, sino alegría por su colega.

Su reacción no pasó desapercibida, pues momentos después los internautas ya se encontraban comentando en redes sociales acerca de lo agradable que fue el comportamiento de la actriz de “La La Land” al tomar de forma tan tranquila y contenta que ella no sería quien pasaría al podio. También destacaron la manera tan genuina de reconocer la victoria de Gladstone.

Las personas en redes manifestaron su admiración hacia ambas chicas, diciendo que el apoyo entre mujeres estaba presente y no había cosa mejor que ésa. El papel protagónico de Gladstone en “Killers of the Flower Moon” la llevó a triunfar en la edición 30 de los SAG Awards, siendo la primera artista nativa americana en recibir el premio a Mejor Actriz. 

Lily Gladstone triunfa en los SAG Awards 2024 

Lilly, quien interpreta a Mollie Burkhart en la cinta “Killers of the Flower Moon”, dio un discurso muy conmovedor tras ganar el premio a Mejor Actriz en los premios del Sindicato de Actores, el cual inició hablando en lengua blakfeet y continuó diciendo sobre lo difícil que es llegar hasta ahí en la industria del entretenimiento, agregando que una vez que estás en esa posición es importante tratar de transmitir un buen mensaje a través de las historias que ayuden a reflexionar a los espectadores. 

Gladstone terminó diciendo que las personas presentes cuentan con una voz y una narrativa que tiene que ser escuchada en el mundo. “Sigan diciendo sus verdades y defendiéndose los unos a los otros”, dijo. 

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Equidad de género en cine podría tomar hasta 200 años en algunos países

equidad de género en cine

Las mujeres en la industria cinematográfica no tienen la suficiente representación en cuanto a posiciones creativas, reciben menos paga, tienen menos libertad creativa y menos financiamiento que los hombres. Además, tienen altas probabilidades de ser el blanco de acoso sexual y bullying, explica un estudio presentado en el Berlin Film Festival (Berlinale). Asimismo, encontraron que faltan alrededor de 200 años en países como Canadá para alcanzar la equidad de género en el cine.

No es un secreto el hecho de que las mujeres son discriminadas en la industria del cine únicamente por su género (así como sucede en tantas industrias). Durante mucho tiampo las únicas historias que se contaban eran desde la mirada masculina. Los personajes femeninos eran muy frecuentemente sexualizados y las únicas resoluciones de los conflictos eran desde el poder masculino.

La problemática no se detiene únicamente en la representación que tiene la población femenina en el cine. También escala hasta ofrecerle menos oportunidades a ellas que a los hombres, sin tomar en cuenta el acoso con el que deben lidiar día con día.

El estudio “Re-Framing the picture: an international comparative assessment of gender equity policies in the film sector” analizó la participación femenina en Inglaterra, Canadá y Alemania. Los resultados no fueron prometedores para el futuro de las mujeres. Es importante visibilizar esto porque se trata de una situación que se replica en otros países y que incluso puede verse en la industria hollywoodense.

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El estudio hizo evidente lo que se lleva a cabo tras bambalinas en el cine. Mostró que las mujeres pueden involucrarse poco como directoras, escritoras y productoras. Menos del 30% de este trabajo es realizado por mujeres en los tres países que fueron objeto de estudio y esto se mantuvo en la misma proporción desde 2005 hasta 2022. Lo que implica que las producciones no involucran a la población femenina en los puestos creativos.

Asimismo, se observaron las repercusiones que han tenido las leyes que se han hecho para incentivar la participación femenina en el cine de los tres países. Pese a ello, no han existido avances significativos. Aunque en Reino Unido fue en donde se ha visto más participación tanto de mujeres como de personas de la comunidad LGBTQ+.

El análisis que realizaron entre los tres países diagnosticó que la paridad de género en el cine podría llegar a un ritmo demasiado lento si se continúa con la misma celeridad. Con el ritmo de progreso que se ha conseguido, en Reino Unido la equidad de género en cine (es decir, un 50% de mujeres en posiciones creativas) podría llegar hasta el año 2085; en Canadá en 2215; y en Alemania en 2041.

En Reino Unido, el 78% de los puestos creativos los ocupan hombres; en Canadá, esa cifra es de 77%; y en Alemania, es de 74%.

Para hacer una comparación muy básica con el estado de la industria en nuestro país, tomemos como referencia el último Anuario Estadístico de Cine Mexicano. En 2022 se produjeron 258 largometrajes mexicanos. De ellos, solo 83 fueron dirigidos por mujeres; es decir, el 32%. De 88 películas mexicanas que estrenaron en complejos de exhibición comercial, solo 23 tenían una mujer en dirección.

De las 11,809 personas que se involucraron en actividades de producción, solo 4,671 eran mujeres; es decir, menos de la mitad.

Hombres solo trabajan con hombres

El análisis abarcó también una radiografía de los equipos de trabajo que forman las producciones cinematográficas. En ellos se mostró que son pocas las cintas que tienen detrás un equipo conformado equitativamente por hombres y mujeres.

Esto confirmó que cuando un hombre está a la cabeza de la producción como director o productor elige mayoritariamente a hombres para conformar su equipo de trabajo. “En Alemania, Inglaterra y Canadá trabajan con muchos más hombres que con mujeres y minorías de género. Los hombres tienen la tendencia de trabajar con otros hombres”, explica el estudio.

“Necesitamos políticas que permitan a las mujeres y personas de las minorías de género el acceso a posiciones de poder en la industria”, proponen. La equidad de género en cine repercute en la vida de todas las personas que consumen este tipo de arte, también ayudará a acelerar la equidad en toda la sociedad, explican.

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Quién es Greta Gerwig, nombrada mujer del año por Time

Greta Gerwig

Este miércoles amanecimos con una gran noticia: la revista Time nombró a Greta Gerwig como una de sus Mujeres del Año. La directora de “Barbie” comparte espacio en la publicación con 11 figuras como Leena Nair (CEO de Chanel), la ganadora del Nobel Claudia Goldin y las mujeres activistas que exigen la paz ante la guerra entre Israel y Hamás.

A continuación, te contamos un poco sobre la trayectoria de Greta Gerwig.

Quién es Greta Gerwig, nombrada mujer del año por Times

En los últimos meses, Greta Gerwig ha estado bajo los reflectores por ser la responsable de la magistral dirección de la película “Barbie”, además de coescribir el guión.

Sin embargo, en la última década el nombre de Gerwig ha resonado por tratarse de una mujer visionaria de innegable talento. Además de ser directora, es actriz y guionista; comenzó a tomar notoriedad por su trabajo en producciones que toman como protagonistas a personas comunes con problemas existenciales.

Se caracteriza por participar en cintas “pequeñas” pero con mucho corazón. Eso, además de producciones enormes como “Mujercitas” o “Barbie”.

La primera cinta de Gerwig como directora fue “Lady Bird”, en 2017; además de comenzar a reconocerse su estilo único y adquirir reconocimiento en la industria.

Posteriormente, Greta logró algo muy especial con “Mujercitas”: adaptar de manera fiel una historia muy conocida y con más de 150 años de antigüedad, pero haciendo énfasis en temáticas y mensajes que resuenan hoy en día.

Como actriz, su personaje emblemático es “Frances Ha”, de la cinta homónima de 2012. “Frances” es un personaje un poco caótico pero encantador a su manera, que aborda los problemas de manera despreocupada y vive las mismas crisis que muchas pasamos cuando nos aproximamos a los 30, definitivamente ya no somos adolescentes pero tampoco parece que estemos listas para “lo que sigue”.

America Ferrera cuenta que no se aprendió su monólogo en ‘Barbie’

America Ferrera

America Ferrera dio a conocer en el programa “Jimmy Kimmel Live!” los detalles acerca de cómo trabajó su ya icónico discurso para la película “Barbie“, donde remarca las diferencias entre lo que la sociedad exige a mujeres y hombres. Nosotras te contamos todo lo que contó la actriz nominada al Oscar.

America Ferrera habla sobre su discurso en la cinta ‘Barbie’

Hace unos días la actriz America Ferrera fue una de las invitadas al programa en vivo del presentador Jimmy Kimmel, en el cual habló sobre su inspirador monólogo para la cinta “Barbie”. La actriz comentó que realmente no memorizó al 100% las palabras del guión antes de filmar la escena, más bien trató de recordar la idea principal del discurso para que fuera más natural y entregarlo con mayor emoción.

“No me gusta memorizar líneas como ésas porque luego me quedo atascada al momento de decirlas, ya que de cierta manera se sienten monótonas. Es por esta razón que prefiero recordar simplemente la idea para darle mayor sentimiento”, dijo Ferrera. 

También confesó que este impactante acto se llevó entre 30 a 50 intentos completos de escena, debido a esto la parte de la película tardó aproximadamente dos días en filmarse. 

Este monólogo se centra en destacar las dificultades a las que se enfrentan diariamente las mujeres y niñas en una sociedad que tiene como prioridad a los hombres. Sin duda, estas palabras a más de una persona que vio la película le conmovieron y les dio un momento de reflexión sobre los comportamientos misóginos que se viven.  

Dentro de la entrevista, Jimmy le preguntó si aún recordaba el discurso de esta escena, a lo que America confesó que podría decir algunas líneas pero no palabra por palabra, ya que se sentía un poco oxidada del guión.

America Ferrera gana People’s Choice Award

Este fin de semana se llevó a cabo la entrega de los premios People’s Choice, en la cual quien vota es el público. America Ferrera se llevó el premio a la actuación del año en cine, y la estatuilla la entregó Billie Eilish.

En su discurso, la actriz dijo que se sentía “como una oportunidad única en la vida de formar parte de una obra maestra tan inspiradora y audaz, además de dar algunas de verdad que tantas de nosotras necesitábamos escuchar en voz alta”.

America también tiene una nominación en la categoría de Mejor Actriz de Reparto en los premios Oscar. Sin duda, este ha sido uno de los momentos más altos en su carrera actoral. 

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‘Inyeon’, el romántico concepto coreano que presentó ‘Vidas pasadas’

Vidas pasadas

La cinta de la directora coreana-canadiense Celine Song “Vidas pasadas” ha dado mucho de qué hablar debido a la reflexión narrativa que maneja sobre un concepto muy interesante que se llama ‘inyeon’. Nosotras te contamos todos los detalles acerca de lo que significa este proverbio coreano. 

¿Qué significado tiene la palabra coreana ‘inyeon’?

Past Lives | Official Trailer HD | A24

La película nos cuenta la historia de “Nora”, una escritora coreana, y “Hae Sung”, un ingeniero, que desde la infancia tuvieron una conexión muy profunda hasta que “Nora” tiene que mudarse a Canadá con sus padres. Tiempo después se encuentran por medio de internet, y comienzan a tener una aventura en la cual el destino y el amor son los protagonistas. 

Uno de los argumentos narrativos que ocupa este film para darle un concepto romántico a la historia es la palabra ‘inyeon’, que en español podría definirse como “destino”. Su significado puede ser un poco ambiguo, pero la protagonista Greta Lee habló sobre ello en una entrevista para Studio Canal UK. 

Greta explicó sobre el sentido que le da esta cinta al concepto de ‘inyeon’, dando a entender que si dos extraños caminan uno a lado del otro mientras sus ropas se tocan es porque hubo algo entre ellos en vidas pasadas. “Se trata de una relación que va más allá de una vida. Lo que te hace preguntarte si es posible, o solo es un momento increíble pero que es pasajero”, comentó la actriz de “Vidas pasadas”. 

Esta película se centra en cuestionarse sobre lo que significa el destino, y de qué forma funcionan los amores del pasado. Sobre cómo puedes amar a alguien cuando eres joven, pero probablemente años después esos sentimientos cambien. El concepto del amor y las vidas pasadas es un recurso muy ocupado en las historias coreanas, ya que te hacen reflexionar acerca de cómo a veces que una persona esté destinada a encontrar a otra no significa tener un final feliz con esa persona.

‘Inyeon’ proviene de un proverbio coreano

La palabra ‘inyeon’ deriva de un proverbio coreano que traducido al español dice “incluso si nuestra ropa solo se roza, es el destino”. Esta creencia está relacionada con el nacimiento y las conexiones de otras vidas, también acerca de cómo las cosas más pequeñas pueden unir a dos desconocidos que probablemente estuvieron destinados en vidas pasadas. 

Estos momentos efímeros como el roce de una prenda, en otra vida probablemente fueron conexiones profundas que quedaron en el pasado. Por lo cual, se dice que se deben valorar los vínculos presentes en nuestras vidas. La vida se basa en un viaje lleno de relaciones que pueden ser para toda la vida o solo fugaces, pero cada una tiene un propósito del por qué llegan a nosotras. 

En Corea del Sur, este proverbio es equivalente al mito de la primera nevada, en el cual se cuenta que con la persona que veas los primeros copos de nieve de invierno será tu amor verdadero 

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De qué trata ‘Wicked’, el icónico musical que protagoniza Ariana Grande

Wicked

Este fin de semana, durante la transmisión en Estados Unidos del Super Bowl LVIII, se reveló el trailer de “Wicked“, la nueva película de Jon M. Chu basada en el icónico musical de Broadway que llegará a la pantalla grande este 2024. Nosotras te traemos los detalles acerca de esta cinta protagonizada por la cantante Ariana Grande y Cynthia Erivo.

Estrenan el primer trailer de ‘Wicked’, con Ariana Grande y Cynthia Erivo.

Wicked - First Look

El día de ayer, en el marco del Super Bowl, salió a la luz un adelanto de la cinta “Wicked”, una de las películas musicales más esperadas del año. Protagonizada por Ariana Grande y Cynthia Erivo, este film nos cuenta la historia de las “brujas de Oz”, de la famosa película clásica “El mago de Oz”. Esta cinta será la primera parte de dos.

“Elphaba” y “Glinda” se conocen mientras están estudiando en la “Universidad de Shiz”, en la fantástica “Tierra de Oz”. Desde ese momento comienzan una amistad un poco compleja debido a que hay momentos donde parece incierta, pero hay otros donde es realmente profunda. Después de un encuentro con el “Mago de Oz”, ocurre un suceso que las lleva a tomar caminos distintos, separándose y dejando de lado el vínculo que habían creado. 

El personaje de “Glinda” desde pequeña tuvo el deseo de ser popular dentro de “Oz”, por lo cual cuando le llega la oportunidad de cumplir su sueños, se ve seducida por el poder dejando de lado los valores que por mucho tiempo la caracterizaron. Mientras que la determinación de “Elphaba” la lleva a permanecer fiel a sí misma, pero esta decisión es la que le traerá consecuencias en su futuro. 

Tras múltiples enredos y aventuras dentro de la “Tierra de Oz”, ambas cumplen sus destinos como “Glinda, la Buena” y la “Malvada Bruja del Oeste”. 

“Wicked” es una producción musical que nació en Broadway y comenzó a presentarse en 2003, se basa en una novela de 1995, la cual a su vez se inspira en las obras de L. Frank Baum. Este icónico musical le ha hecho ganar premios Tony a talentos como Idina Menzel.

También ha llegado a otros países, comenzando por el circuito teatral del West End de Londres, Inglaterra. En México, Danna Paola se encargó de interpretar a “Elphaba”.

¿Quién forma parte del elenco de ‘Wicked’? 

“Glinda” es encarnada por la ganadora del Grammy y estrella del pop Ariana Grande. Su personaje es una chica popular que en parte se ve cegada por el privilegio y la codicia, que tiene como objetivo descubrir la bondad de su corazón. El papel de “Elphaba” es llevado a la pantalla grande por la galardonada del Tony Cynthia Erivo, una joven incomprendida por tener piel verde que desconoce de su verdadero poder. 

Otros artistas que forman parte de la cinta “Wicked” son Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum y Ethan Slater. 

A pesar de que este film comenzó su rodaje en junio de 2022, los primeros planes de desarrollo y preproducción iniciaron en el año 2018. Este exitoso musical de Broadway tiene fecha de estreno para la festividad de Acción de Gracias de este 2024. 

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Qué es un coach de intimidad y cómo ayuda a las actrices de cine

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Las escenas que representan relaciones sexuales en la pantalla grande son muy frecuentes, y pueden tratarse de un reto enorme para una actriz. No solamente en términos interpretativos, sino porque son momentos de gran vulnerabilidad donde, idealmente, se debe cuidar la integridad de quienes deciden involucrarse. Por eso hoy queremos contarte qué es un coach de intimidad.

En el contexto actual, luego de que se han dado a conocer tantas prácticas nocivas que vulneran la seguridad de las mujeres en la industria del entretenimiento, es indispensable la figura de un coach de intimidad en los sets.

Te platicamos cómo es que estas personas profesionales ayudan a las actrices de la industria del cine a su preparación ante escenas explícitas.

¿Qué es un coach de intimidad?

De acuerdo con el sindicato SAG-Aftra, un coach de intimidad es un enlace entre los actores y la producción en cuanto al entrenamiento de movimientos y coreografías involucrados en escenas íntimas que puedan suponer una gran exposición del cuerpo al desnudo.

Su enlace con la producción es clave importante dentro de este papel, ya que facilitan las conversaciones difíciles, además los coach de intimidad actúan al mismo tiempo como defensores de los actores o algún otro miembro involucrado, a quien podrán externar sus preocupaciones para poder encontrar la solución más viable.

El coach de intimidad podrá garantizar a las actrices o al personal en general que se cumplan los protocolos de seguridad adecuados previamente establecidos. La creación de entornos seguros también es parte de su esfuerzo para preparar y que las actrices comprendan qué es lo que les espera antes dar su consentimiento informado y de manera recurrente.

El coaching de intimidad y el movimiento #MeToo

Antes de que la presencia de un coach fuera común, la desnudez o las escenas explícitas en la pantalla grande eran responsabilidad del propio director; es decir, una figura masculina que no necesariamente se especializaba en asuntos de seguridad o consentimiento, era quien se encargaba de las escenas que mujeres protagonizaban.

La realidad es que la violencia en contra de las mujeres siempre ha existido en la historia del cine. Es por esto que con el tiempo surgió el cuestionamiento sobre la dirección del contenido íntimo y las escenas sexuales; varios profesionales en todo el mundo comenzaron a crear pautas y desarrollaron metodologías de trabajo para manejar contenido explícito y comenzaron a desarrollar la noción de cómo eran las mejores prácticas en todas las etapas, desde la audición hasta la actuación.

Sin embargo, fue a raíz del famoso movimiento #MeToo en la industria hollywoodense que los coaches de intimidad comenzaron a ser más tomados en cuenta para formar parte del set.

Los límites dentro de lo explícito

El consentimiento dentro de este trabajo debe ser la base del respeto entre actrices, actores y personal para mitigar cualquier práctica que pueda interpretarse como forma de abuso, especialmente en mujeres. En el coaching de intimidad existen cinco pilares de coordinación, los cuales explica la Organización Estadounidense de Coordinación de la Intimidad.

  • Contexto
  • Consentimiento
  • Comunicación
  • Coreografía
  • Cierre

El coach de intimidad debe proporcionar una importante red de seguridad para las actrices que trabajan en escenas desafiantes que respeten sus límites, estando en su total derecho de cambiar de parecer en el momento en el que ellas así lo decidan.

También facilita la coordinación entre producción y departamentos para cumplir la visión del director sin asumir riesgos innecesarios.

Entre las celebridades que han hablado recientemente sobre tener un coach de intimidad está Emma Stone para “Poor Things”; en una entrevista par NPR, dijo que usar un coach de intimidad la reconfortaba, además de mantenerla alejada de sus ansiedades.

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Carey Mulligan defiende a Greta Gerwig por su exclusión de los Oscar

Carey Mulligan

El desaire a las mujeres directoras en los premios Oscar quedó marcado una vez más en su historia y siempre será recordado por diversas artistas que forman parte de la industria cinematográfica. Quizá la exclusión más controversial de tiempos recientes seguirá siendo la de la directora Greta Gerwig, con uno de sus proyectos más icónicos: “Barbie”.

Muchas personas han mostrado su desacuerdo con que Greta haya quedado fuera de estos prestigiosos premios por su labor como directora (aunque su trabajo compita por Mejor Película), y entre las inconformes está la actriz Carey Mulligan, quien defendió a la directora.

Los actores mienten cuando dicen que los premios no importan, dice Carey Mulligan

Es la tercera vez que Carey Mulligan recibe una nominación en la categoría de Mejor Actriz en los premios Oscar, y es que su papel en “Maestro” le valió una de las siete nominaciones que recibió la película. Bradley Cooper también está nominado a la categoría de Mejor Actor.

Durante una reciente entrevista con The Times de Londres, la actriz Carey Mulligan reveló que, a pesar de lo que muchos de sus compañeros de la industria puedan decir, la verdad es que los premios sí importan.

La estrella de “Maestro” aseguró que los actores mienten cuando dicen que los premios Oscar “no importan” y que solo debería contar el trabajo que hacen.

Mulligan dijo que la nominación “es la cosa más cool, pues son tus colegas quienes te nominan”. Ella no es la única que piensa esto, pues uno de sus compañeros, Jeffrey Wright, también está de acuerdo con este pensamiento que tantas personas no se atreven a admitir, como revela Variety.

Defiende a Greta Gerwig por su exclusión de los Oscar

Mulligan habló en la entrevista sobre su nominación y de todos aquellos artistas que quedaron fuera de la carrera de los Oscar 2024, especialmente de la exclusión de Greta Gerwig a la categoría de Mejor Dirección. Como ya sabemos, a pesar de que “Barbie” fue uno de los mayores éxitos taquilleros del 2023 y de la historia del cine al ser uno de los blockbusters con una mujer al frente, quedó fuera de categorías clave del Oscar como Mejor Actriz y Mejor Dirección (aunque Ryan Gosling sí compite por su actuación).

Carey Mulligan defiende a Greta Gerwig
Foto: AP.

Otra de las ausencias más notables dentro de los premios es la de Margot Robbie, quien ha dicho no sentirse triste por la falta de reconocimiento por parte de los Oscar hacia ella, pero admitiendo también que Greta Merecía la nominación.

Carey Mulligan expresó para el The Times su sentir sobre la situación de la directora de “Barbie”. “Estoy destrozada por Greta”, dijo, preguntándose “¿qué más se necesita para ser nominada? (…) ¿Haces una buena película aclamada por la crítica que también es un éxito mundial y aun así no te nominan?”.

Y no solo es el caso de Greta, Carey también se pronunció a favor de “Saltburn”, de Emerald Fennell, ya que el filme no recibió ni una sola nominación. Anteriormente, Emerald Fennell estuvo nominada al Oscar por su trabajo al dirigir “Promising young woman”, que compitió por mejor película hace un par de años.

La intérprete comentó que ella estuvo presente durante al estreno en Los Ángeles, y que tanto el público como ella tuvieron una gran experiencia. “Saltburn” desde su estreno se ha convertido en todo un fenómeno gracias a su impresionante reparto y su guión por demás provocativo.

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Feliz de estar en México, esto dijo Zendaya de ‘Duna: Parte Dos’

Zendaya México

“Fue una historia de amor muy interesante de encontrar, tan intensa y fuerte”. Así es como Zendaya describe la relación entre “Chani” y “Paul Atreides”, la pareja que protagoniza la saga cinematográfica “Duna”.

Anoche se llevó a cabo en la Ciudad de México una conferencia de prensa con el elenco de la película y Denis Villeneuve, el director. Zendaya, Timothée Chalamet, Florence Pugh, Austin Butler y Josh Brolin estaban visiblemente emocionados por la visita a nuestro país.

En México, Zendaya habla sobre la historia de amor en ‘Duna: Parte Dos’

En la primera parte de la saga, casi todo lo que vemos de “Chani” es mediante visiones que “Paul” tiene de ella. No sabemos realmente quién es, cómo piensa y en qué cree. Sabemos que forma parte de los “fremen”, los pueblos que habitan el inhóspito planeta “Arrakis” y que son uno con el desierto.

Afortunadamente, en esta ocasión Zendaya puede contar más sobre su proceso de interpretación y la complejidad de su personaje.

Al ser cuestionada sobre lo que más le gusta de interpretar a “Chani”, la actriz respondió que su personaje “tiene convicciones y un sentido de sí misma realmente fuertes”. Especificó que “eso fue disfrutable como actriz porque hizo la historia de amor mucho más dura y difícil. El amor no es algo que simplemente tienen por sentado, sino deben trabajar por él”.

La intérprete encontró una complejidad muy importante entre los ideales de su personaje y su relación con “Paul”. “Para mí fue muy emocionante porque tenía este diálogo que ella está teniendo constantemente consigo misma, sobre si debería permitir a esta persona entrar y si es seguro o no amar a esta persona”.

Es fácil pensar que en un proyecto enorme, que involucra ciencia ficción, grandes batallas e imágenes que representan un verdadero logro técnico, no hay mucho espacio para hablar sobre la intimidad entre dos personajes; de hecho, Denis Villeneuve afirmó en la conferencia que esta es la película más compleja que ha hecho. Sin embargo, Zendaya habló sobre el corazón de la cinta. “Lo que aprecio más es que Denis, entre toda la escala épica de la película, encontró estos momentos humanos conmovedores”.

Como Zendaya contó, a veces su interpretación consistía en pasar largos momentos mirándose fijamente para meterse en personaje y consolidar una relación. “Los momentos en que no decíamos nada nos permitieron construir algo fuerte”, afirmó.

Zendaya nos dejó una gran intriga y muchísimas ganas de ver la película. Finalizó diciendo la importancia que para “Chani” tiene confiar totalmente en alguien “y, cuando lo hace… Ya veremos, no puedo decir qué pasa”.

Florence Pugh dijo que ‘Duna’ fue como ‘un Disneyland para adultos’

Esta película es el debut de Florence Pugh en la saga cinematográfica de “Duna”. Ella interpreta a la “princesa Irulan”, la hija del “emperador Shadam IV”.

Durante su participación en la conferencia de prensa en México, Florence contó que es la primera vez que interpreta a un personaje tan callado y, por ende, enigmático. Ella está acostumbrada a los “personajes más ruidosos, llenos de opiniones y desafiantes”.

En cambio, “Irulan” es una persona calculadora, de la cual “te preguntas qué pasa por su cabeza en cada momento y me encantó leer eso en el guión”. Como Florence lo describe, “ella es un rol emocionante porque termina en puntos suspensivos”.

La experiencia de Pugh fue distinta a la que tuvieron Timothée Chalamet y Zendaya, pues cuando ella se involucró en el proyecto la primera cinta ya había salido. Sobre la experiencia que compartió con Austin Butler, dijo: “tuvimos la oportunidad de enamorarnos de la película, pudimos ver qué tan increíble era la historia y los personajes”.

Finalmente, la actriz describió esta experiencia como “un regalo y una oportunidad única que casi no se siente real”. Para ella, fue “como un Disneyland para adultos”. Por eso quiso permanecer inmersa en este universo, “recordarme que estaba despierta y grabármelo todo”.

Emma Stone rompe en llanto ante la confesión de un fan

Emma Stone

Durante un evento de preguntas y respuestas con fans de su nueva película, la actriz Emma Stone no pudo contener el llanto ante la interacción con uno de los asistentes. Se llevaba a cabo una discusión acerca de la nueva película que protagoniza, “Poor things’, cuando un fan con autismo le confesó a la intérprete que gracias a ella logró encontrar la fuerza para terminar la escuela.

Nosotras te contamos más detalles de lo que sucedió con Emma Stone. 

Un fan habla del impacto que tuvo Emma Stone en su vida

El pasado jueves en la ciudad de Londres se llevó a cabo un evento para la promoción de la cinta “Poor things”, por la cual Emma Stone tiene una nominación al Oscar. Ahí, varios fans tuvieron la oportunidad de interactuar con los actores de la cinta por medio de preguntas directas. Un seguidor de Emma Stone se sinceró con la actriz diciéndole que sus sketches de Saturday Night Live le había ayudado para terminar su etapa escolar. 

“He seguido tu carrera por 12 años seguidos. Me encanta ‘Poor Things’, la vi seis veces”, comenzó diciendo el chico. “Crecí como uno de los pocos niños autistas de la escuela, por lo cual me sentía incapaz de hacer amigos. Es por esto que durante el receso me la pasaba en un salón con computadoras viendo tus sketches, definitivamente me brindaste comodidad y seguridad en esos años”, agregó el fan de Emma.

Las palabras del fan conmovieron a la actriz al punto de hacerla llorar. Emma bajó del escenario para darle un fuerte abrazo con mucha emoción y cariño, el chico le entregó un ramo de flores como agradecimiento por todo lo que el trabajo de la actriz ha significado para él. La protagonista le dijo que su discurso fue precioso y que estaba muy feliz de conocerlo.

Emma habla del mensaje que le dejó su personaje de ‘Bella’ en ‘Poor Things’

Durante el evento, el fan de la actriz también le preguntó cuál era su mensaje favorito sobre el personaje que había interpretado en su nueva cinta. Emma respondió que, al igual que “Bella”, a ella también le gusta mucho experimentar la vida de diferentes formas a las que dicta la sociedad y tiene la capacidad de asimilar algunas situaciones de maneras distintas a lo normal. 

“Bella ve lo bueno y lo malo de la misma forma. Está fascinada por lo que la vida tiene para ofrecer, eso es profundamente inspirador y creo que eso es lo más importante que me ha conmovido”, dijo Emma Stone sobre su papel. 

Su papel dentro de “Poor things” llevó a Emma Stone a ser galardonada con su segundo Globo de Oro en la categoría de Mejor Actriz Principal, y posteriormente su nominación a Mejor Actriz en los premios de la Academia. Esta película está basada en en la novela de Alasdair Gray de 1992, narra la historia de una chica es resucitada por un científico después de su suicidio y comienza una aventura en autodescubrimiento y sexualidad. 

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5 actrices de doblaje que son icónicas en México

5 actrices de doblaje que son icónicas en México

El doblaje mexicano es considerado, por muchos especialistas, como uno de los mejores de todo el mundo. Esto se debe al talento de los intérpretes con que nuestro país cuenta, su buena técnica y la implementación de frases mexicanas que se vuelven icónicas a nivel internacional. Por esta razón, te compartimos algunos papeles de 5 actrices de doblaje que son icónicas en México y seguramente recuerdas.

Sus interpretaciones han marcado generaciones enteras y cada uno de sus personajes se ha vuelto parte de las infancias mexicanas. Desde personajes de caricaturas y películas adolescentes hasta cintas dramáticas y videojuegos.

Descubre algunas de las mujeres han hecho historia en el doblaje mexicano. Son apenas una muestra del talento que hay en este ámbito.

5 actrices de doblaje que son icónicas en México

Foto: Instagram. @erikarobledo4vo

1. Erika Robledo

Erika Robledo fue la encargada de doblar la voz de “La Sirenita” en la segunda y tercera temporada de la serie animada. Además, fue la voz de “Cher” en la película “Clueless” y participó en películas como la saga “Crepúsculo” (en el papel de “Jessica”), “Los juegos del hambre: Sinsajo” (“Cressida”) y “La bruja de Blair”. También fue la voz de varios personajes en la serie “BoJack Horseman”, de Netflix.

Erika debutó a temprana edad y su carrera como actriz de doblaje se consolidó con el paso de los años. Recientemente se informó que murió el pasado 22 de enero por causas desconocidas; los seguidores de sus trabajos se mostraron consternados ante la noticia, ya que Erika tenía 48 años.

2. Cristina Hernández

A sus 46 años, Cristina Hernández ha dado voz a personajes de distintas series, películas, telenovelas y hasta dramas coreanos. Entre sus papeles más destacados se encuentran: “Bombón” (“Las chicas superpoderosas”), “Alegría” (“Intensa-mente”), “Sailor Chibi Moon” (“Sailor Moon”), “Gatúbela” (“Batman: El caballero de la noche asciende”) y “Mirana”, la “Reina Blanca” en el live action de “Alicia en el País de las Maravillas”.

Ha estado en tantos proyectos, que en más de 10 ocasiones ha doblado a personajes interpretados por Anne Hathaway, Natalie Portman, Christina Ricci, Reese Witherspoon y Lindsay Lohan, entre otras. También ha participado en más de 20 animes y producciones japonesas.

Su trabajo y esfuerzo la ha llevado a convertirse en directora de doblaje de varios estudios y empresas de doblaje en México. Además de ser conductora y locutora, ha dado voz a personajes de videojuegos y narrado cuatro audiolibros.

3. Paty Acevedo

Foto: Instagram. @sailorpatymoon

Patricia Acevedo Limón ha prestado su voz en películas, cortos animados, anime, series de televisión, documentales y radionovelas. Sus trabajos más conocidos son interpretando a “Sailor Moon”, “Lisa Simpson”, “Angélica Pickles” (“Rugrats”) y “Rachel Green” (“Friends”).

Actualmente tiene 64 años y en su repertorio también se incluye el doblaje a varios personajes de actrices como Jennifer Aniston, Uma Thurman, Scarlett Johansson y Annie Potts. Sus personajes también suelen ser de anime y producciones japonesas, apareciendo activamente en “Dragon Ball”, “Hunter x Hunter”, “Pokémon” y “One Piece”.

4. Beatriz Aguirre

Beatriz Aguirre, quien protagonizó diversas telenovelas mexicanas, obras de teatro y películas, también destacó notablemente en el doblaje. En 1997 dobló la voz de “Hera” en “Hércules” y la emperatriz Marie Romanov en “Anastasia”; también fue “Perdita” en “101 dálmatas”.

5. Alondra Hidalgo

Foto: Instagram. @alohidalgo

La trayectoria de Alondra Hidalgo también es digna de mencionar. Entre sus papeles más conocidos se encuentra “Sam Puckett” de “iCarly”, “Ginny Weasley” en la saga “Harry Potter”, “Jade West” en “Victorious”, “Gwen Stacy” en “Spider-Man: Un nuevo universo” y en “Spider-Man: a través del Spider-Verso”.

Su trabajo la ha llevado a ser directora de doblaje en miniseries, anime, videojuegos y películas. Ha doblado a varios personajes de Marvel y DC y ha sido parte de sagas como “John Wick”, “Resident Evil” y de la serie “American Horror Story”.

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9 datos de ‘El color púrpura’, el musical con Halle Bailey que debes ver

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La actriz y cantante Halle Bailey forma parte del elenco de la nueva versión de “El color púrpura“, una película musical y multiestelar que cuenta una historia de hermandad, adversidades y esperanza. Nosotras te contamos 9 curiosidades sobre esta película que también cuenta con las actuaciones de Fantasia Barrino y Danielle Brooks (quien actualmente cuenta con una nominación al Oscar).

Su estreno en Latinoamérica es el 8 de febrero, así que estás a tiempo para organizar tu ida al cine.

‘El color púrpura’, un musical basado en una historia conmovedora

Es una cinta basada en una producción teatral que lleva el mismo nombre, que a su vez está inspirada en la novela de Alice Walker escrita en 1982. Esta es su segunda adaptación cinematográfica, después de la cinta que dirigió Steven Spielberg de 1985, el cual regresa como productor de esta nueva versión junto a Scott Sanders y Oprah Winfrey.

Esta película narra la vida de una mujer afroamericana de nombre “Nettie”, quien vive al sur de Estados Unidos a principios del siglo XX. “Nettie” se enfrenta a diversas luchas a lo largo de su vida, una de las más fuertes es la separación obligatoria que tiene con su hermana e hijos, así como los maltratos que sufre por parte de su marido abusivo. Después de algunos años encuentra apoyo en una cantante y su hijastra, que la ayudan y alientan a crear una nueva vida, pero también a darse cuenta de cómo son los verdaderos lazos de hermandad. 

9 datos de ‘El color púrpura’

El color púrpura | Tráiler Oficial

1. Representación de la cultura afroamericana 

El director de la película, Blitz Bazawule, dio a conocer que dentro de la cinta existe un amplio espectro sobre la cultura afroamericana, su folclor y música, así como el sentido de espiritualidad y fe.

La cinta involucra ritmos de gospel, jazz, blues y R&B, para mostrar la evolución y continuidad que existe en el arte nacido en la comunidad afroamericana.

2. La obra ha recibido premios en distintas áreas del arte

La novela de la estadounidense Alice Walker, publicada en 1982, recibió numerosos premios como el Pulitzer y el Premio Nacional del Libro a Mejor Ficción. En 1985, el director Steven Spielberg decidió llevarla a la pantalla con su primera adaptación, recibiendo 11 nominaciones a los Oscar por parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos.

Tiempo después, en 2005, se lanzó el musical de Broadway por el cual esta historia obtuvo algunos premios Tony y Grammy. 

3. Fantasia Barrino nunca había bailado ‘tap’ antes del film

Fantasia es quien interpreta a “Celie” en la película, luego de haber encarnado el mismo papel en el musical de Broadway. Ella confesó que nunca había bailado tap a pesar de haber interpretado el papel en la puesta en escena hace 16 años.

“No había bailado tap ni un solo día en mi vida, pero a Blitz y a Fatima (Robinson, coreógrafa) se les ocurrió esto, y yo los miré muy confundida”, dijo la actriz, agregando que después de mucha practica e inspiración de los bailarines de apoyo logró realizar el número de baile a la perfección.

Pasaron 16 años para que Fantasia pudiera interpretar este papel de nuevo. Sobre ello, ha dicho que “el miedo es algo necesario. Alguna vez, alguien me dijo que lo llevas contigo, solo que no lo dejas conducir en el asiento delantero; lo pones en el maletero. Creo que el miedo es lo que te
empuja a ser grande”.

4. Nueva perspectiva a la historia

El director dio a conocer que con esta versión buscó darle una nueva perspectiva a la historia a través de la música como una herramienta de narrativa principal, pero sin dejar de darle la importancia a los acontecimientos del pasado. Blitz Bazawule afirmó que respetó todos los aspectos le dan vida a “El color púrpura”, pero también reinventó esta cinta por medio de los efectos visuales, la danza y el diálogo para crear una nueva experiencia donde se tenga la oportunidad de conocer a fondo la comunidad afroamericana de Estados Unidos. 

Parte de los aportes para esta nueva versión fue la ayuda de la profesora de dialecto Tangela Large, la cual tuvo un papel importante para que el elenco pudiera reflejar de forma perfecta su interpretación en pantalla de acuerdo con la época y región en que se ubican. 

5.- “Keep it movin'”, una canción original de Halle Bailey

Halle Bailey, la actriz que interpreta a “Nettie” en la cinta, habló sobre la canción original que tuvo la oportunidad de escribir para su personaje.”Fue increíble trabajar con el equipó de música, porque son muy amables y abiertos, dejan que fluyan las ideas. Realmente agradecí todo este proceso, especialmente que me escucharan sobre cuál era mi perspectiva sobre ‘Nettie’”, dijo la artista sobre “Keep it movin’”.

“Keep it movin’” es una de las dos melodías que canta Bailey, la cual habla acerca de la resiliencia a través de un espíritu adolescente. El ritmo hace que se sienta poderosa y con determinación. 

6. La verdadera orientación de ‘Shug Avery’

El personaje de “Shug Avery” es quien le da la oportunidad de iniciar una nueva vida a “Celie”. La actriz Taraji P. Henson se sinceró sobre la orientación de su personaje y dio a conocer cuál es la relación que tiene con la protagonista, afirmando que es sexualmente fluida y se siente cómoda con eso.

“Se adelantó a su tiempo. Lo que es genial es que no tiene miedo de vivir, y no tiene miedo de vivir su verdad, como sea que se vea. Pero eso es amor verdadero, entre ella y ‘Celie'”, confirmó la actriz.

7. La paleta de colores en el vestuario

Para crear los looks de los personajes necesitaban vestuarios que abarcaran varias décadas y que, por lo tanto, varios de ellos tuvieran un toque desgastado y roto. La encargada de vestuario fue Francine Jamison-Tanchuck, quien fue sumamente meticulosa con cada prenda para que tuviera la autenticidad adecuada.

La paleta de colores se basa en un rango de marrones y verdes terrosos, también algunos tonos burdeos y rojos para la gente que tiene mayor influencia dentro de la cinta. 

8. La incursión de Danielle Brooks en cine musical 

A Danielle Brooks probablemente la recuerdes perfecto por su papel memorable en la serie “Orange is the new black”, donde pasó de tener un rol secundario a tener uno de los arcos más importantes conforme avanzaron las temporadas. Eventualmente incursionó en Broadway y ahora también la podremos ver en una película musical.

Durante un año entero, Danielle intepretó a “Sofia” más de 400 veces; por lo tanto, se adueña del personaje y sus canciones de una manera única.

9. Las locaciones

Antes de que las cámaras pudieran rodar en la gran pantalla la versión de “El color púrpura”
reimaginada por Bazawule, el director colaboró con su equipo en la creación del escenario ideal
para la historia que iban a contar.

En un pequeño pueblo que se llama Grantville, de 3,115 habitantes, encontraron siete de las locaciones clave de la película, como la celda de la cárcel, el almacén general y el bar. También estuvieron en ciudades de Georgie (Estados Unidos), como Atlanta y Savannah. Sin embargo, la mayoría de los interiores se hicieron en foros.

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Cineastas mujeres que han sido excluidas de Mejor Dirección en los Oscar

Los premios Oscar son el reconocimiento máximo dentro de la industria hollywoodense. Desafortunadamente, como en varios ramos del quehacer cinematográfico, el trabajo que realizan las directoras siempre se ha visto infravalorado.

Fue en 1977 que la italiana Lina Wertmüller, directora de “Pascualino Siete Bellezas”, fue la primera mujer que obtuvo la nominación a Mejor Dirección, aunque tristemente no ganó. Con ella, solamente siete mujeres han sido nominadas al premio Oscar en esta categoría, siendo Justine Triet la octava en sumarse a la lista este año. Únicamente tres de ellas han sido las acreedoras de dicho reconocimiento:

  • Kathryn Bigelow con “The hurt locker” (2009).
  • Chloé Zhao con “Nomadland” (2020).
  • Jane Campion con “The power of the dog” (2021).

Directoras que han sido excluidas de Mejor Dirección en los Oscar

A pesar de que muchas películas dirigidas por mujeres han obtenido numerosas nominaciones en cuanto a guión, adaptación, actrices, actores principales y de reparto, por mencionar solo algunas categorías, difícilmente se les nomina y da el premio a Mejor Dirección. Esto ha sido particularmente visible en el último par de años.

En este 2024, el último caso ha sido el de Greta Gerwig, directora de “Barbie”. Su cinta fue la más taquillera del año pasado y está nominada a Mejor Película, pero ni eso le pudo asegurar una nominación por su trabajo.

Sarah Polley

El año pasado, el filme “Women talking” se encontraba en la lista de las contendientes por Mejor Película en los Oscar. Pero su directora, la canadiense Sarah Polley, no apareció en la terna por Mejor Dirección. La también guionista recibió un reconocimiento por este último trabajo, aunque sin duda merecía que la incluyeran en otra de las categorías principales.

En 2023 no hubo ninguna cineasta mujer en la terna de Mejor Dirección, lo cual impulsó el hashtag #OscarsSoMale.

Ava DuVernay

Una exclusión quizá de las más controversiales fue la de Ava DuVernay, quien en el año 2015 puedo haber sido la primera mujer de color en recibir el premio a Mejor Dirección por su cinta “Selma”. Sin embargo, su película sí tuvo nominación.

A partir de casos como éste fue que eventualmente se originó el #OscarsSoWhite, movimiento que tenía como propósito señalar la falta de diversidad en nominaciones y ganadores a los Oscar.

Kasi Lemmons

La directora de “Harriet”, Kasi Lemmons quedó excluida de los premios a pesar de que la película sí tuvo dos nominaciones. Esto fue en 2020, mismo año el que Natalie Portman usó una capa bordada con los nombres de las directoras a quienes se les había menospreciado.

Greta Gerwig

Aunque no lo creas, esta no es la primera vez que ignoran a Greta Gerwig con la nominación como directora aunque su trabajo compita por Mejor Película. Esto también pasó en 2020, cuando recién había estrenado “Mujercitas”.

Este año Justine Triet está nominada a Mejor Directora, lo cual evidentemente sabemos es poco común, ya que aún existe esa incapacidad de reconocer a más de una buena directora a la vez.

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Lily Gladstone habla sobre la representación indígena en Hollywood

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Después de su nominación a Mejor Actriz en los Oscar 2024, Lily Gladstone habló sobre la importancia que tiene la representación indígena en Hollywood y los problemas de racismo que ha enfrentado en décadas pasadas. Durante su invitación en el programa de la presentadora escocesa Lorraine Kelly, explicó que su interpretación en el filme es un trabajo de representación para toda la población nativa americana de Estados Unidos.

Lily Gladstone habla sobre la representación indígena en Hollywood

Lily Gladstone habla sobre la representación indígena en Hollywood
Foto: Captura de video

La nominación de Lily Gladstone en esta temporada de premios en cine es muy importante para la representación indígena en Hollywood, una industria para la cual lo más común hasta hace poco tiempo era contratar intérpretes caucásicos para encarnar papeles nativo americanos. Tan solo en años recientes causó polémica el casting de Johnny Depp para el personaje de “Toro” en “El llanero solitario” o la elección de Rooney Mara para ser “Tigrilla” en la película “Pan”.

Durante su entrevista con Lorraine Kelly este lunes, Lily Gladstone comentó: “cuando mi abuela era joven nunca se vio representada como líder en una película de acción”. Los 9.7 millones de personas indígenas que viven en Estados Unidos ahora podrán verse representadas mediante el personaje de Gladstone en el film de Martin Scorsese. Se trata de un precedente que puede significar el casting de más actores de origen indígena.

La actriz agregó que “esta película encaja perfectamente en la era de retomar las películas clásicas de la ‘era dorada del cine’. Y tiene a esta mujer nativa americana en el centro de la historia, nuestro lugar correcto en la pantalla”.

El racismo en la producción cinematográfica

Durante la entrevista, Lily Gladstone habló sobre el racismo que hasta hace pocos años todavía fue muy notorio para ella al estudiar Bellas Artes en la Universidad de Montana.

“Cuando era estudiante en la universidad tenía una clase de maquillaje clásico. Para la asignatura teníamos un libro de 1970 que contenía una explicación completa sobre como hacer ‘redface’. Para hacerte ver como un nativo americano”, describió Gladstone. Se le llama ‘redface’ al acto de maquillarte para parecer una persona nativa americana, y actualmente se considera un acto racista.

La actriz se mostró impresionada de que a pesar de tomar clases universitarias de 2004 a 2008 no hubiera cuidado sobre este contenido en las materias. E incluso que ese maquillaje fuera necesario para graduarse y que debía incluirse en su currículum.

La deuda histórica con la población nativa americana

Gladstone también se mostró preocupada por la falta de personajes nativo americanos que fueran una representación digna de su comunidad. En su discurso de la última entrega de los Globos de Oro, sus palabras estaban dirigidas hacia las siguientes generaciones, pero también para su niña interior que amaba actuar.

“Pero aún pienso en las personas de generaciones más grandes que yo. Los premios de la Academia tienen 96 años, esto (la poca representación) realmente nos afectó en el sentido de vernos representados en westerns”, comentó Gladstone.

El sentido de cómo se autoperciben las personas nativas de Estados Unidos fue dañado por las películas que parecían estar encapsuladas en el tiempo. Sin embargo, la actriz de “The Killers of the Flower Moon” explicó que esta película sería una de las favoritas de su abuela si aún viviera, pero que será inspiradora y restaurativa para las próximas generaciones.

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5 películas de enemigos a amantes que te harán suspirar

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Si estás buscando películas románticas con un toque de comedia, hay ciertos clichés que debes conocer sí o sí, como el de ‘enemies to lovers’. Porque, ¿qué puede ser más romántico en el cine que esa creencia de que “del odio al amor hay un solo paso”? Por tal razón, te recomendamos que veas estas 5 películas de enemigos a amantes que te harán suspirar.

Las películas con esta trama siempre son una opción segura, ya que muchas personas consideran que este cliché es cursi (en el sentido que muchas disfrutamos) y divertido. De hecho es de los favoritos del público, debido a los sucesos que llevan a que esas dos personas se enamoren poco a poco y olviden (o enfrenten) sus diferencias.

5 películas de enemigos a amantes que te harán suspirar

Pride & Prejudice (2005) Official Trailer

1. ‘Orgullo y prejuicio’

De las adaptaciones más aceptadas de la novela “Orgullo y prejuicio”, escrita por Jane Austen, la versión de 2005 es imperdible. En esta cinta podrás ver a Keira Knightley y Matthew Macfadyen interpretando a los conocidos personajes de la autora británica.

Desde que se conocen, comienza una lucha de personalidades y, con el tiempo, el “Sr. Darcy” conquista a “Elizabeth” y se crea una de las mejores historias ‘enemies to lovers’ de la historia. Disponible en Netflix.

2. ’10 cosas que odio de ti’

Es de las romcoms más conocidas y queridas de las últimas décadas. A pesar de haberse estrenado hace alrededor de 20 años, esta película sigue marcando generaciones por su historia y romanticismo. Protagonizada por Julia Stiles y Heath Ledger, sus personajes son diferentes y apenas si se aguantan, pero las acciones del protagonista harán que “Kat” termine enamorada de él. Puedes verla en Disney+.

3. ‘Con todos menos contigo’

ANYONE BUT YOU – Official Trailer (HD)

A unos días de su estreno, la nueva película de Sydney Sweeney y Glen Powell ya es un éxito en taquilla. Con un presupuesto de 25 millones de dólares, lleva una recaudación de 100 millones de dólares a nivel global, por lo que la convierte en una de las romcoms más taquilleras de años recientes.

La historia sigue a “Bea” y “Ben”, quienes salieron en su etapa de preparatoria pero no funcionó. Años después, ambos se reencuentran en un viaje a una boda de unos amigos, por lo que deciden fingir que son pareja a pesar de que no se soportan; sin embargo, como todas sabemos, sucede lo inevitable. Disponible ya en cines y muy pronto en Apple TV.

4. ‘Cariño, cuánto te odio’

Esta película sigue la historia de dos rivales de trabajo que claramente no pueden verse. “Cariño, cuánto te odio” combina de los mejores clichés que hay: ‘enemies to lovers’, compañeros de trabajo y una apuesta que lo cambia todo. Está protagonizada por Lucy Hale y Austin Stowell, puedes verla en Amazon Prime.

5. ‘Tenías que ser tú’

Foto: Captura de pantalla

Protagonizada por Amy Adams y Matthew Goode, habla de una chica que está cansada de esperar que su novio le pida matrimonio. Por lo que decide practicar una leyenda irlandesa en donde las mujeres pueden pedir matrimonio (sin que sean rechazadas) en año bisiesto, específicamente el 29 de febrero.

En su camino, se encuentra con un hombre que cambiará su perspectiva del amor y, aunque comienzan siendo enemigos, termina de una manera inesperada. Disponible en HBO Max.

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Austin Butler revela que se rompió una costilla en una filmación

Austin Butler

Austin Butler dio a conocer que sucedió un accidente durante una escena de acción en el rodaje de su nueva serie “Masters of the Air”, y cuáles fueron los contratiempos mientras grababan en espacios abiertos y en el aire. Nosotras te contamos todo lo que dijo el actor acerca de su participación en el drama de la fuerza aérea estadounidense. 

La miniserie “Masters of the Air” narra la historia de un grupo de bombarderos de la tropa número 100 de la fuerza aérea de Estados Unidos, que tenían base en la costa de Inglaterra. Austin Butler interpreta al mayor Gale “Buck” Cleven, mientras Callum Turner encarna al mayor John C. Egan.

El rodaje de este drama de 9 episodios duró aproximadamente 10 meses, y actualmente sus primeros capítulos ya están disponible en Apple TV+.

Austin Butler reveló cómo se lastimó al grabar una escena de pelea

Por medio de una entrevista que dio el elenco de la nueva miniserie de Apple TV+ “Masters of the air” al medio Variety, revelaron todas las problemáticas que sufrieron mientras grababan este drama situado en la Segunda Guerra Mundial. La mayoría de los actores confirmaron que las escenas de acción fueron las más desafiantes, pues a pesar de que algunas de las secuencias de las peleas se crearon con CGI, existieron otras en las cuales tuvieron que utilizar métodos más complicados para ellos. 

Foto: Instagram. @appletv

La producción construyó diferentes escenografías y objetos para darle mayor realismo a las escenas, como aviones B-17, cabinas, posiciones de artillero en cola, entre otros escenarios. Uno de los productores de esta miniserie, Gary Goetzman, conrifmó que durante la filmación, “se trataba de utilizar cualquier técnica y tecnología que fuera útil”.

Los actores Austin Butler y Callum Turner afirmaron que no sufrieron mareos durante la filmación de las escenas donde debían esquivar el fuego mientras iban a bordo de la simulación de los antiguos aviones, pero sí existía mucha incomodidad por las casi 8 horas seguidas que debían utilizar estos sets. “Debido a que es difícil descender te mantienen en el avión por mucho tiempo seguido, lo hace más fácil”, contó Butler.

Austin Butler se rompe la costilla mientra rodaba ‘Masters of the Air’

El actor de “Elvis”, también habló sobre el accidente que sufrió durante el rodaje. “Hubo una escena de pelea en la que se me rompió la costilla. Me dolió, pero tuve que seguir luchando para que saliera bien. Definitivamente duele durante mucho tiempo, pues cada que respiras sientes las costillas. Pero creo que pudo ser peor”.

Austin Butler también agregó que al momento de leer el guión supo que sería un largo camino, pero que se sentía muy agradecido por haber podido tener un papel dentro de este drama. “La oportunidad y el honor de interpretar a estos hombres con los que tenemos tanta deuda es un privilegió, superó cualquier cosa”, comentó. 

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Te decimos 6 mujeres que ya son artistas EGOT

Artistas mujeres que ya son EGOT

Los premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony se consideran los más importantes de las industrias televisiva, musical, cinematográfica y teatral de Estados Unidos, respectivamente. Desde la creación de esos galardones, solo 19 personas han ganado los cuatro a lo largo de sus carreras artísticas. De esas 19 personalidades, 6 han sido actrices y cantantes. Descubre quiénes son las artistas mujeres que ya son EGOT y quienes lo serán muy pronto.

El término EGOT fue acuñado por el actor y músico Philip Michael Thomas y, desde entonces, es un estatus que muchos artistas sueñan con alcanzar. Ya que significa que destacan en la televisión, la música, el cine y el teatro.

De hecho, algunas cantantes como Adele y Cindy Lauper están a un premio para lograr ser artistas EGOT; les falta un Tony y un Oscar, respectivamente. También hay actrices que están a un premio de ser EGOT: por ejemplo, a Kate Winslet le falta un Tony, a Cynthia Nixon le falta un Oscar y a Helen Mirren le falta un Grammy.

Mientras que hay celebridades más jóvenes que pretenden alcanzarlo, como Billie Eilish y Lady Gaga, quienes ya cuentan con reconocimientos Grammy y un Oscar cada una; cabe destacar que Gaga ya fue nominada a los Emmy en 2011.

A continuación te contamos quiénes son estas mujeres que ya hicieron historia al ganar estos cuatro galardones y en qué año obtuvieron esta aclamada distinción.

Las 6 artistas mujeres que ya son EGOT

Foto: Wikimedia Commons

1. Helen Hayes (1977)

La actriz fue la primera mujer y la segunda artista en general que consiguió ser galardonada con un Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony. Aunque se dedicó a ser actriz de teatro (participando en más de 40 obras), también apareció en varias películas.

Su primer galardón fue un Oscar como Mejor Actriz por su trabajo en “El pecado de Madelon Claudet”; más tarde, obtuvo su segunda estatuilla como Mejor actriz de reparto en “Aeropuerto”. Consiguió su primer Tony en 1947, su primer Emmy en 1953 y, finalmente, se convirtió en una artista EGOT en 1977 al ganar un Grammy.

2. Rita Moreno (1977)

La actriz y cantante puertorriqueña cuenta con una trayectoria de 70 años y, poco a poco, se convirtió en una artista EGOT, siendo la tercera artista en general en alcanzar este hito. Comenzó ganando un Oscar en 1961, seguido de un Grammy en 1962 por su trabajo en “West Side Story”; el Tony lo obtuvo en 1975, mientras que en 1977 ganó su primer Emmy por su performance en “The Muppet Show”.

3. Audrey Hepburn (1994)

La legendaria actriz Audrey Hepburn ganó un Oscar en 1953 por “Vacaciones en Roma“, seguido del Tony por “Ondina” en 1954; después de cuatro décadas, fue honrada con un Emmy y un Grammy póstumos en 1993 y 1994.

De esta manera, Audrey Hepburn se convirtió en artista EGOT tras su muerte en 1993.

4. Whoopi Goldberg (2002)

Casi dos décadas después, la actriz y cantante se convirtió en la cuarta mujer en ser una artista EGOT. El Grammy (por Mejor Álbum de Comedia) lo obtuvo en 1985, el Oscar a Mejor Actriz de Reparto en 1990, y, años más tarde, en 2002, ganó un Emmy y un Tony. La artista ha sido galardonada múltiples veces por su trabajo en el teatro y tiene su Estrella del Paseo de la Fama en Hollywood.

5. Jennifer Hudson (2022)

Foto: Instagram. @iamjhud

Veinte años después, la quinta mujer en ser EGOT fue Jennifer Hudson; además, es la mujer más joven en ganar los cuatro premios, a sus 40 años. En 2007 se convirtió en la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en “Dreamgirls” y en 2009 ganó un Grammy por Mejor Álbum R&B. En 2020 ganó el Emmy y, en 2022, el Tony por Mejor Musical gracias a la obra “A strange loop”.

6. Viola Davis (2023)

Viola Davis es la sexta mujer en ser EGOT. La actriz ha participado en más de 50 películas y series de televisión, además de 8 obras de teatro. En 2001 ganó un Tony, mientras que en 2015 se llevó el Emmy por su personaje en “How to get away with murder”. En 2017 fue ganadora a Mejor Actriz de Reparto en los Oscar por “Fences” y, el año pasado, ganó el Grammy por su autobiografía, “Finding Me”.

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